Las 10 mejores bandas de rock de siempre

 

1. Los Beatles

Los Beatles son, sin duda, la mejor banda  y más importante en la historia del rock, así como la historia más convincente. Casi milagrosamente, encarnaban el vértice de la forma artística, comercial, cultural y espiritualmente en el momento justo, los años 60 turbulentos, cuando la música tenía el poder de cambiar literalmente el mundo (o al menos para dar la impresión de que se pudiera, que puede ser la misma cosa). Los Beatles son el arquetipo: no hay un término en el lenguaje análogo a la “Beatlemanía”.

Tres chicos de Liverpool – John Lennon, Paul McCartney y George Harrison – se reunieron en un momento de gran fluidez cultural en 1960 (con actores secundarios Stu Sutcliffe y Pete Best), absorben y se recapitulan el rock ‘n’ roll americano y la historia del pop británica a ese punto, endurecido en una unidad de gran nitidez jugar cinco sets anfetaminas alimentado una noche en la dura ciudad portuaria de Hamburgo, Alemania, regresó a Liverpool, que se encuentra su director ideal Brian Epstein y productor ideales en George Martin, agregó la pieza final del rompecabezas cuando Ringo Starr sustituyó Best en la batería, y lanzaron su primer single en el Reino Unido, “Love Me Do / PS Te Amo”, todo antes de octubre de 1962.

Su segundo single, “Please Please Me”, seguida por British grandes éxitos “From Me to You”, “She Loves You”, “I Wanna Hold Your Hand”, “No puedes comprar mi amor” (todo Lennon / McCartney originales), y la imagen agradable, ingenio y encanto del grupo, solidificaron agarre delirante de los Fab Four en su tierra natal en 1963.

Pero fue cuando el grupo llegó a los EE.UU. en febrero de 1964 que el alcance total de la Beatlemanía se hizo manifiesta. Su rendimiento de cinco canciones caos que inducen en el Ed Sullivan Show el 9 de febrero es uno de los eventos Medios de comunicación piedra angular de la 20 ªsiglo. Yo tenía cinco años en el momento – mis padres me dicen lo vi con ellos, pero honestamente no recuerdo. Lo que sí recuerdo, sin embargo, que las chicas de al lado, cuatro y seis años mayor que yo, que volcó apariencia y me arrastró a su locura vertiginoso poco después. Me encantó “I Wanna Hold Your Hand”, el primer número 1 de los Beatles en los EE.UU. (que tenía 19 más, siendo el registro), más que ninguna otra canción que he escuchado, o casi con toda seguridad jamás oír, con consume una intensidad que sólo puedo tocar ahora como memoria.

Los Beatles genera una intensidad de alegría que abofeteó a decenas de millones de personas en la cara con la conciencia de que la felicidad y la exuberancia eran no sólo es posible, sino en su presencia, inevitable. Ellos generan una energía que se amplificó un millón de veces y volvió a ellos en una ola de histeria ensordecedor agradecido.

Un resultado parcial de que la histeria era ensordecedor que la banda se convirtió en frustrado con sus conciertos y dejó de actuar en vivo después de un espectáculo de San Francisco el 29 de agosto de 1966. Sin embargo, incluso esta frustración dieron fruto, ya que los cuatro músicos, ayudada casi incalculable por el productor Martin, convertido sus energías creativas para el estudio de grabación, produciendo álbumes cada vez más sofisticados y cumplida “Rubber Soul” (1965, “Drive My Car”, “Norwegian Wood”, “no me verá”, “sin identidad”, “Michelle “),‘Revolver’(1966, de Harrison‘Taxman’,‘Eleanor Rigby’,‘Aquí, allá y en todas partes’,‘Yellow Submarine’,‘Good Day Sunshine’,‘y su pájaro puede cantar’), el majestuoso y época “Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band”(1967, canción principal,‘Con un poco de ayuda de mis amigos’,‘Lucy en el cielo con diamantes’,‘Cuando soy sesenta y cuatro’,‘Un día en la vida’).

A pesar de la fuerza centrífuga comenzó a hacer mella, se las arregló para producir tres más obras maestras del álbum, doble álbum “The Beatles” (1968, también conocido como “The White Album”, con “Back in the USSR”, “Dear Prudence”, “ Ob-La-Di Ob-La-Da,”Harrison‘Mientras mi guitarra llora suavemente’,‘Blackbird’,‘cumpleaños’,‘Helter Skelter’),‘Let It Be’(grabado a principios de 1969, pero no depurados hasta 1970 , con la canción principal, “Two Of Us”, “a través del universo”, “Tengo un sentimiento”, “el largo y sinuoso camino” y “Get Back”), y el clímax apropiado “Abbey Road” ( 1969, Harrison de “Here Comes the Sun” y “algo” de Ringo “de Octopus Garden”, “Come Together”, “de Maxwell Silver Hammer”, “I Want You”, “Ella entraba por la ventana del baño”).

Ellos hicieron una promesa increíble y en lugar de dar marcha atrás a partir de esa promesa se entregan y se entregan y se entregan durante ocho años, hasta que todas las implicaciones de la promesa, finalmente, los golpean: que estaban mirando en las fauces de una bestia insaciable, voraz que no era menos bestial porque sonrió y saludó y les dio dinero. Los Beatles finalmente sufrió una incapacidad colectiva pretender que la bestia no era una bestia, y en 1970 se separaron y volvieron a ser humano.

2.Beatlemanía redux

Una rebanada pequeña pero significativa de la magia de los Beatles regresó en 1986 con el lanzamiento del clásico de John Hughes adolescente película ‘Ferris Bueller Day Off’, en donde personaje de Matthew Broderick labio-sincroniza los primeros Beatles ‘Twist and Shout’ clásica ( Irónicamente, una canción que no escribió) desde la parte superior de un flotador en un desfile el centro de Chicago.

John Lennon cantó “Twist and Shout”, como si las palabras fueran veneno corrosivo alegre, que su única esperanza de supervivencia era expulsarlos con toda la vehemencia que su cuerpo ritmo besotted pudo reunir, y lo mismo ocurre con la fortuna en la escena. Paul y las respuestas de George emparejados celo de Juan al final de cada estrofa con su delirante “¡Ooooh.” Ellos se divertían tanto que esta canción parecía que lo más importante en su vida en ese momento. Los Beatles sabían las enormes responsabilidades de placer.

Ferris labios vigorosamente, los frauleins en la vibración excesiva del flotador y agitar y rebotan contra Ferris como los electrones, los miles de personas en la multitud cantar de los pozos de su pelvis. mermeladas Chicago como uno, recreando hazaña asombrosa de la vida real de los Beatles de un unificador de masas locura que cambió la vida de la gente por un tiempo.

Cuando vi la película en el teatro en el ’86, la gente realmente se pusieron de pie y bailaron en los pasillos. ¿Cómo podrían no hacerlo? El segmento “Twist and Shout” fue la más emocionante y alegre momento musical en una película desde los Beatles propios “Noche de un día duro” (1964), y fue el punto culminante de la película perfecta de exploits de Ferris Bueller.

El público era tan melancólica de la Beatlemanía que “Twist and Shout” volvió a las listas durante 15 semanas ese año, una breve pero dulce recordatorio de la cosa real.

3. Los Rolling Stones

Cuando los Beatles dejó de existir en 1970, el título de “la roca más grande del mundo ‘n’ Roll Band” cayó con muy poca controversia a los Rolling Stones, que para entonces estaban en medio de un pico creativo tan maravilloso que podrían haber desafiado los Fab Four por el título de todos modos. Es un título el de una sola vez “anti-Beatles” no han abandonado desde entonces. No sólo tienen las piedras sido la banda de rock más grande en el mundo durante más de 30 años, pero han sido una ‘n’ unidad de rodillo de la roca que funciona desde hace más de 40 años, la más larga en la historia.

amigos de la adolescencia Mick Jagger y Keith Richards, junto con el guitarrista Brian Jones y el pianista Ian Stewart, formaron la primera versión de los Rollin’ Stones en 1962, y con la sección rítmica grieta de Charlie Watts a la batería y Bill Wyman en el bajo pronto a bordo, se rasga en una residencia de ocho meses en el Crawdaddy club de Londres poco después. Un joven y ambicioso Andrew Loog Oldham los vio allí:

“Los vi 23 de de abril de, 1963 y entonces supe lo que había estado entrenando para,” dijo en una entrevista telefónica desde su casa en Colombia. “Lo más importante que tenían era la pasión, lo que les ha servido para este día”, continuó Oldham. El primer acto de Oldham como director fue para degradar el shambling Stewart del acto en vivo de la banda por no cumplir con su imagen de una magra, media y piedras atractivas (Stewart fue encargado del camino de la banda y grabó con ellos hasta su muerte en 1985).

En el momento los Rollin’ Stones (el nombre de la canción Muddy Waters, Oldham añadió la ‘g’) eran una banda de covers de R & B irregular, pero su carrera en el Crawdaddy había generado mucha atención, y con los Beatles en su camino sin uno querido perderse la próxima gran cosa. Oldham consiguió rápidamente firmaron con Decca Records, que todavía estaba dolido por haber convertido a los Beatles.

En junio del ’63 primer sencillo de los Stones, un cover de Chuck Berry ‘Come On’ fue a No. 21 en el Reino Unido. El seguimiento en noviembre fue un cover de los Beatles temidas ‘I Wanna Be Your Man’, que se elevó a Reino Unido Nº 12. En febrero del ’64, llegaron al 10 UK Top con Buddy Holly “Not Fade Away, ”, que también entró en el Top 50 en los EE.UU. – los chicos malos estaban en su camino.

Oldham se separó de la banda en medio de la locura y los medios de comunicación frenesí de redadas de drogas en 1967, pero él y la banda generó algo de música increíble durante los dos años entre la squirmingly lasciva “satisfacción” – considerado por muchos como la canción de rock más grande jamás – publicado en mayo 1965, y la recopilación de éxitos llenos de “Flores”, publicado en julio ’67. Incluido era el narcisismo muy consciente de la “sal de mi nube”, gentileza de música de cámara y la vulnerabilidad de “As Tears Go By,” desconcertado modernidad urbana de “19 º ataque de nervios”; y el primer álbum de los Stones clásico, ‘Aftermath’, con la burla y empático simultáneamente canción drogas ‘de la madre pequeño ayudante,’ profundamente maravilloso y misógino ‘Under My Thumb’ y ‘fuera de tiempo,’ preciosa ‘Lady Jane’ y exótico , turbio “Paint It Negro”.

Luego vinieron las piedras clásicas finales de los 60 / principios de los años 70 periodo entre “Beggars Banquet” y “Exile On Main Street”, posiblemente la carrera más productiva en la historia del rock, cuando las piedras se volvieron una alquimia sin igual de rock ‘n’ roll , blues y country en algo oscuro, peligroso y duradera profunda.

Los bustos de 1967 parecían estimular Jagger y Richards a otro nivel creativo, pero Brian Jones aparecieron golpeados y se hunde rápidamente. Él estuvo ausente de la única diabólica, riff-rock “Jumping Jack Flash”. Apenas se trabajó en excepcional, “Beggars Banquet” blues de 1968 (seductora, percusión y escozor “Sympathy for the Devil” guitarra-golpes “Street Fighting Man”, roza y pecadora “Stray Cat Blues”), estaba fuera del grupo por el 69 de junio y muerto en el fondo de su piscina a menos de un mes más tarde.

Joven Mick Taylor se unió como el reemplazo de Jones, y sus fuertes cables de blues fueron el complemento ideal para el trabajo ritmo afinado abierta Richards, y el sonido y la imagen se oscureció y más difícil aún en ‘Let It Bleed’ (el sexo y la muerte apocalipsis “Gimme refugio “, azules angustiados de Robert Johnson‘amor en vano’misteriosa‘Monkey Man’, la camaradería druggy de la pista del título, potente y asesina “Midnight Rambler “, y el oblicuo, coda edificante“no siempre se puede conseguir lo que Querer”).

la danza de la banda con el diablo dio fruto amargo cuando se ponen en un concierto gratuito en Altamont Speedway afueras de San Francisco el 6 de diciembre de 1969 (sólo tres meses después de Woodstock), donde un ventilador fue apuñalado hasta la muerte en vista de la etapa de Ángeles del Infierno ( toda la mala juju de montaje fue capturado para la posteridad en la película “Gimme Shelter”).

“Salir de Yer Ya-Ya” (1970), uno de los álbumes de rock en vivo más satisfactorias nunca, se centraron en sus ’68 -’69 hits, incluyendo un extenso y definitivo “Midnight Rambler”, y mostró cómo integrante Mick Taylor se había convertido para sonido en vivo rugido de los Stones.

El primer lanzamiento de la banda en sus propios Rolling Stones Records fue el druggy, arrastrando los pies, brillantes “Sticky Fingers” (1971), con la cubierta de trabajo-cremallera famoso por Andy Warhol. Taylor nuevo brillaba y la composición de Jagger / Richards continuó al más alto nivel: fanfarrón “Brown Sugar”, quejumbrosos “Wild Horses”, ranurado de jazz “Can not You Hear Me Knocking,” cuerno-rocking “Perra,” frío “Sister Morphine ”estilo campestre y‘Dead Flowers’.

Las piedras han sido una banda diferente desde entonces: Mick Taylor abandonó en 1974, sustituido por el incondicional Ronnie Wood. Han lanzado un par de grandes discos: “Some Girls” (1978), su respuesta aproximada a los desafíos de la música disco y el punk ( “Miss You”, “Some Girls”, “respetable”, “Beast of Burden”, “Shattered” ), y “Tattoo You” (1981, su álbum de gráficos de primera vez – nueve semanas en el No. 1) con destacados “Start Me Up”, “Ala de Fuego” y “esperando a un amigo” también han lanzado una gran cantidad. simplemente de buenos discos: los años 70 fueron mejores que los años 80, los cuales eran mejores que los años 90.

Sin embargo, han siguió adelante, tomando descansos pero centrándose cada vez más en conseguir la música a los fans de vivir, llegando a ser particularmente revitalizado con el álbum “Steel Wheels” y gira mundial en 1989. Cogí esa gira en Los Angeles y los Stones Vine con un aire de seguridad ansiosos. Todos los elementos de clics: las guitarras cortan y se recortó, la sección rítmica y encerrado en lo montó a cabo, las canciones eran una mezcla perfecta de lo antiguo y lo nuevo, la banda estaba abundantemente entusiasta.

Jagger no exhibió una gota de Guay estrella: trabajaba, hablado, cantó con energía y atención al detalle. Era evidente que estaba feliz de ser querido de nuevo. El relieve de alegría colectiva del estadio impulsado Jagger a la vulnerabilidad infantil:

“No ya como las nuevas canciones?” Casi se declaró de la multitud.

“Los amamos, Mick!”

“¡Te queremos!”

“Yeahh!”

Tal vez Mick se recordaba a su cita de los años 70, ‘A veces prefiero estar en el escenario, a veces prefiero el orgasmo.’ Esa noche, estoy bastante seguro de que ganó la etapa.

En la década de 1990, la banda se tomó en una asombrosa cantidad de $ 750 millones de dólares de tres recorridos. Cuando los vi en vivo desde el Madison Square Garden en HBO principios del año pasado mis ojos confirmaron que estos escarpada, chicos demacrados cerca de 60 años de edad, pero cuando las cámaras se retiraron 30 años se desvanecieron y la magia era real y crecieron en intensidad a medida que la noche avanzaba.

Qué gran espectáculo! Las piedras son un mejor banda en vivo de lo que eran en los años 70 cuando sus vidas, sus cuerpos y sus mentes eran un lodazal de sexo, drogas y alcohol. Edad de ellos se ha centrado, sin embargo, quitado muy poco de su energía maníaca, y Keith Richards sigue siendo el más grande guitarrista que ha vivido.

De largo roca viva ‘n’ roll – vivan los Rolling Stones!

4. U2

U2 de Irlanda es la banda más importante e influyente de la era post-punk, uniéndose a sonar la guitarra de rock, la independencia punk, la espiritualidad celta, innovadoras técnicas de producción y experimentación electrónica – todos unidos por la visión y carisma trascendente cantante / letrista de Bono.

U2 – Bono (Paul Hewson), el guitarrista The Edge (Dave Evans), el bajista Adam Clayton y Larry Mullen – formada en Dublín en 1976 como una banda de covers de los Beatles y los Stones, mientras que los jugadores todavía estaban en la escuela secundaria. En 1980 se firmaron con Island Records y lanzaron su primer álbum espectacular, “Boy”, producido por Steve Lillywhite.

En la preparación para 1984 de “The Unforgettable Fire”, el productor Brian Eno tuvo una larga conversación con Bono, ya que más tarde le dijo a la revista Q Magazine. “Le dije: ‘Mira, si trabajo con usted, voy a querer cambiar un montón de cosas que haces, porque no estoy interesado en los registros como un documento de una banda de rock tocando en el escenario, estoy más interesado en la pintura imágenes. Quiero crear un paisaje en el que ocurre esta música ‘. Y Bono dijo: ‘Exactamente, eso es lo que queremos también’”.

Los resultados de este cambio de rumbo fatídico eran producciones de Eno estándares U2 “The Unforgettable Fire” (incluyendo “Bad”, “Pride En Nombre del Amor”); Grammy 1987 álbum del año, lo personal y universal “The Joshua Tree”, que hizo las grandes estrellas de la banda (con “Donde las calles no tienen nombre”, “Todavía no he encontrado lo que estoy buscando”, “Con or Without You”y‘One Tree Hill’); 1991 de “Achtung Baby”, un movimiento brillante y emocionalmente oscuro hacia la electrónica ( “incluso mejor que la cosa real”, “uno”, “Hasta el fin del mundo”, “¿Quién va a montar tus caballos salvajes” y “Mysterious Ways” ); y “Zooropa”, aún más profundo en la música Euro-baile y la electrónica (el 93, con la canción principal, “Numb”, “limón”, “Stay”). Wow, qué viaje.

U2 fue la banda que lleva el rock de los años 80 debido a sus miembros, como tal vez sólo Bruce Springsteen en los EE.UU., todavía creía que el rock ‘n’ roll puede salvar el mundo, y tenían el talento para hacer que la idea no parece irremediablemente ingenua.

Esta seriedad y voluntad de asumir la más pesada de las responsabilidades condujo a la fuerte subida alturas de logro y la escalada de demandas psíquicas y artísticas que finalmente llevó a la banda a adoptar la ironía como sus medios básicos de expresión para una vez en los años 90.

Todas las bandas quieren ser fresco, y en los años 80 U2 casi sin ayuda hicieron seriedad fresco, pero era difícil, el trabajo incesante. Después de la arenosa, gruesos guitarras-and-idealismo de los años 80, los años 90 vieron el frío diáfana de la electrónica-y-ironía, que estaba literalmente y metafóricamente fresco, pero al final no lo que la banda está a punto.

“Todo lo que no se puede dejar atrás” (’00) regresaron a lo que la banda se acerca, y es el sonoro y espiritual seguimiento a la “The Joshua Tree”, el álbum más idealista, espiritual y melódicamente constante de la banda.

Los restos de las incursiones de la banda en la electrónica sazonados el álbum (en especial el impresionista “Nueva York”), pero la guitarra de The Edge devueltos al centro del escenario, donde pertenece su estilo único, repique, aunque nunca se eclipsa las canciones, cada una de las cuales ha sido bendecida con una melodía memorable.

Después del lanzamiento de éxtasis de la canción de apertura “Beautiful Day”, la segunda canción “Pegado en un momento en que no puede salir de”, afirma un aparentemente modesto pero muy profundo, serio e idealista idea:

“Estoy tratando de encontrar una melodía decente

Una canción que pueda cantar en mi propia empresa”

Ellos han encontrado que es y algo más. U2 es ahora una banda madura, segura, siendo increíble que sabe que no tiene todas las respuestas, pero no es miedo de seguir haciendo las preguntas correctas.

5. El Grateful Dead

fuera en el camino hoy / vi una pegatina Deadhead en un Cadillac / Una pequeña voz dentro de mi cabeza / dijo ‘no mirar hacia atrás, nunca se puede mirar hacia atrás.’ – Don Henley, “Boys of Summer”

Cuando Henley escribió “The Boys of Summer’ en 1984, vio la etiqueta adhesiva sobre el acero de lujo de Detroit como una contradicción de valores: una colisión simbólica materia / antimateria que borró el significado de ambos. Pero Henley no se dio cuenta de que su símbolo de un pasado muerto era en realidad un símbolo muy poderoso de la presente y futuro.

La guerra de Vietnam fue el polarizador perfecto entre jóvenes y adultos cultura: no tenía ningún objetivo claro, que fue muy lejos, que costó muchas vidas, y fue involuntaria – la vieja tomaron las decisiones, el joven murió. Después de la guerra murió misericordiosamente a mediados de los años 70, la nación se dio cuenta de que había odiado a la confusión interna más de lo que había odiado enemigo externo – la sangre es más espesa que la ideología.

Los muertos se convirtió en el símbolo de esta mezcla de ideologías hasta la muerte de Jerry Garcia en 1995: una máquina de hacer dinero bien engrasada ($ 50 millones al año en ingresos de conciertos) que vende la paz, el amor y la comprensión de una legión de admiradores divididas internamente. Los muertos se agotaron todos los espectáculos, porque un espectáculo Muerto era un lugar socialmente aceptable tomar temporalmente un descanso de la carrera de ratas y probar en los 60 valores hippie sin tener que vivirlas. Las personas que no consumen drogas en cualquier otro momento consentidos y bailaron alrededor como duendecillos a los muertos y su luz, y agradables, a veces inspirados, extendidas viajes musicales rítmicos.

En ese frente musical, Rhino “Muy mejor de los Grateful Dead” es una excelente representación de la mezcla ecléctica de la banda de country, folk, rock psicodélico, R & B, jazz y afrocaribeñas ritmos en clásicos como “amigo del diablo”, “ Sugar Magnolia “,‘Ripple’,‘Truckin’,‘banda del tío Juan’,‘Casey Jones’,‘Torre de Franklin’, y su solitario single‘Touch of Grey’.

“Grateful Dead” (1971) es mi favorito en directo establecido por la banda – que rueda junto con “Bertha”, “Mama Tried”, “Jugar en la banda”, “Johnny B. Goode”, “Not Fade Away” y “ goin abajo del camino que se siente mal “, mostrando una gran energía y versatilidad.

El éxito de los Muertos inspirado todo el movimiento de la banda de mermelada, que lleva en su linaje musical y cultural hasta nuestros días.

6. Velvet Underground

Brian Eno ha dicho famoso que no muchas personas compraron los álbumes de la Velvet cuando fueron liberados en un principio, pero todo el mundo que no formaron una banda. Después de justas con valentía los enemigos gemelos de la indiferencia y la hostilidad abierta en su tiempo de vida, la Velvet Underground poco a poco se ha adoptado como uno de los mejores y más importantes bandas de la historia del rock.

The Velvet Underground formó en 1964 cuando el cantante / guitarrista / compositor Lou Reed y Welsh multi-instrumentista John Cale se reunieron y decidieron formar una banda de rock (con el tiempo con Sterling Morrison en el bajo y la guitarra y Maureen “Mo” Tucker en la percusión), sobre la base del su interés mutuo en el R & B, el jazz de forma libre de Albert Ayler y Ornette Coleman y el minimalismo vanguardista de John Cage y la Monte Young.

La banda no buscaba sólo para entretener, sino para desafiar, para demostrar que el rock ‘n’ roll puede ser peligroso nuevo. Gravitaron hacia Andy Warhol – que trajo de Austria actriz / modelo / cantante Nico en el redil – y se convirtió en la organización accesorios multimedia de Warhol, la fábrica, y en la escena de arte bohemio pueblo.

Viven, los terciopelos eran una extraña amalgama de vigorosa R & B, canciones muy pop, extendida atascos ruido experimental y el arte de la performance de Warhol Exploding Plastic Inevitable. La banda original duró sólo dos discos, “The Velvet Underground y Nico,” y “White Light, White Heat” (ambos 1967), el primero de los cuales se encuentra entre los más grandes de todos los discos de rock.

“Esperando el hombre”, con una ranura roca ventoso, sigue un carácter Reed en la búsqueda de drogas. Reed es casi mareado de autodesprecio como su necesidad de medicamentos arrastra a su estatus social inferior a la de los habitantes del gueto, y que desafiante autodesprecio define el estado del terciopelo como la primera banda de post-moderno y el progenitor de toda la nueva ola / punk movimiento.

“Heroína” toma la aventura exterior de medicamentos que obtienen en el ámbito interno y captura la seducción de la adicción con un poder, la belleza y la gracia que hace que sea aún más aterrador. “Venus de las pieles,” un examen sin parpadear de una relación de S & M, transmite tedio de densidad de agujeros casi negro. “All Tomorrow ‘de las Partes” es el mejor momento de Nico, un monumento sonoro se eleva a glamour efímero, con el pulso de temor y guitarra frenética desestabilizadora de Reed.

También en el registro son dos más bonita, Reed escribió / joyas Nico sung, “Seré su espejo” y “Mujer fatal”, y la canción más bella de la carrera de Reed, lo preternatural “Sunday Morning”, que captura la esperanza y arrepentirá de un domingo naciente con respeto y delicadeza.

restantes tres álbumes del grupo produjeron varios más gemas en “White Light, White Heat”, “Lo que sucede en”, “Comienzo a ver la luz”, “Pale Blue Eyes”, “Sweet Jane” y “Rock and Roll” todos los cuales y más se puede encontrar en el sistema de la caja muy recomendable “lentamente la cáscara y ver.”

7. Led Zeppelin

lo largo de una carrera de 10 años, nueve disco de 1969-79, Led Zeppelin fue el grupo de rock más popular en el mundo, en última instancia, la venta de más de 50 millones de discos sólo en los EE.UU. (más de 200 millones en todo el mundo), el desarrollo de la cantante de potencia trío-más-plomo arquetipo blues basado en muchas direcciones, incluyendo mística Inglés folk-rock, Oriente exóticos, pop peculiar y todas las formas de pesadez del Este-influenciada. También llegaron a simbolizar los excesos del estilo de vida dionisíacos roca.

Su ubicuidad en los formatos de radio de rock clásico, así como los excesos mencionados han llevado a muchos a descartar la banda como sobrevalorado y sintomático de la decadencia del rock ‘n’ roll en los años 70. La colección super valor “primeros días y los Últimos Días: Lo mejor de Vols. 1 y 2” (dos discos) demuestran que, en todo caso, de la banda musical de la grandeza es aún poco apreciada, debido a los resentimientos se ha mencionado anteriormente y el hecho de que la banda no tuvo mayor impacto cultural – que no hicieron mucho soporte para cualquier cosa.

Los dos estaban mal: “Led Zeppelin 1” ( “Good Times Bad Times”, “Babe, me voy a dejar”, ​​“Dazed and Confused”, “Communication Breakdown”), “Led Zeppelin 2” ( “Whole Lotta El amor “,‘The Lemon Song’,‘Hearbreaker’,‘Living criada Amoroso,’‘Ramble On’) y‘Led Zeppelin 4’(también conocido como‘Zoso’, con‘perro Negro’,‘rock and roll’,“Cuando los dique se rompe “,‘escalera al cielo’) están entre los más grandes álbumes de rock.

La voz de las plantas alcanzaron niveles de éxtasis trastornado coincidentes tal vez sólo por Little Richard en letras típicamente rebosante de la sexualidad o derivados de mito anglosajón y / o lo oculto. Bonham (cuya muerte accidental en 1980 se rompió la banda) golpeó sus tambores sin descanso como un elefante bailando ágil a través de la casa. El bajo de Jones y teclados estratégicos pegados los elementos dispares. Y Page, que hizo la mayor parte de la escritura y la producción, jugó algunos de la guitarra más fundamental y memorable en la historia del rock – a partir de la crisis más fuerte a la más delicada cosecha dedo acústica.

Demostrando gran popularidad duradera de la banda, vivo de la banda en dos DVD set “Led Zeppelin”, publicado en mayo pasado, ha vendido más de 600.000 copias.

8. Ramones

Ramones – Dee Dee (bajo, voz), Joey (voz), Johnny (guitarra), Tommy (batería, posteriormente sustituido por Marky) – eran la banda de punk estadounidense, una fuente inagotable de ruido, energía, actitud, humor y (a veces olvidados), grandes canciones que ayudaron a reinventar el rock ‘n’ roll cuando más la necesitaba a mediados de los años 70.

Trabajando por indie Records Sire en el mediados de los 70, el productor / explorador de talento Craig Leon se involucró en la escena underground de Nueva York se filtra. Una noche de verano en 1975 se fue a CBGB y vio a dos bandas, los Talking Heads y los Ramones.

“Fui a ese programa y había literalmente cuatro personas en la audiencia, además de mí, pero las bandas fueron fenomenal”, dijo León. “Mucha gente ni siquiera pensó en los Ramones podría hacer un disco. Hubo semanas de preproducción en un nivel muy básico: como cuando empezaron las canciones y cuando terminaron. Sus primeros sets fueron una canción mucho tiempo hasta que se quedó sin vapor o luchado. Se podía ver como una cosa rendimiento de tipo de arte, en el que tuvo una cápsula concisa de 17 minutos de todo lo que sabía sobre el rock ‘n’ roll, o usted podría verlo como 22 canciones poco “, dijo. Se fueron por las canciones.

primer disco de los Ramones (1976) es un icono minimalista rugido – el primer disco de punk verdadero americano. Capas y capas de la hinchazón y el brillo acumulada fueron despojados para dejar al descubierto el rock ‘n’ roll en su forma más básica y vital en canciones como “Blitzkreig Bop”, “Beat on the Brat” y “Bailemos”. Sonido del Ramones estaba ardiendo principios de los años 60 la música surf reproduce a través de la distorsión saturado de Blue Cheer y Negro sábado. Sin embargo, de acuerdo con León, los Ramones veían a sí mismos como una banda de pop. “En nuestra ingenuidad, pensamos que iban a ser más grande que los Beatles. Incluso habían llamado a sí mismos después del nombre etapa temprana de Paul McCartney, Paul Ramone ‘”, dijo León.

Mientras que la mayoría de acuerdo sorprendente primer disco de los Ramones – que cortan a través de la competencia como un 747 en un concurso de aviones de papel – es su álbum más importante, no es mi favorito. Mi favorito es uno de los más excéntricos, “Fin de siglo” de la banda – producido por la estrella del pop enigmática (y ahora sospechoso de asesinato) Phil Spector – y el álbum que reconoció explícitamente una cosa tal como “pop punk” por primera vez .

Grabado en 1979, el álbum hace explícita la conexión entre los primeros de los 60 pop-rock y la psique de la banda de punk, y soporta tanto como Ramones y un clásico Spector – idiosincrasia de Spector no abrumar el rugido de “Chinese Rock” o “Rock ‘N’ roll High School “, y el Spectorish‘¿Recuerdas rock ‘N’ roll Radio’rollicks con sólo los toques retro derecha. nueva versión de la banda de la Ronette “Baby Te Amo” es como tocar ya que es divertido, y derramó una luz completamente nueva sobre el cantante Joey Ramone (que murió en 2002 después de una larga lucha contra el cáncer – Claro que sí se pierda ese tipo).

El juego de dos CD “¡Hey! ¡Ho! Vamos a ir”es una visión espectacular de la banda, con todas las canciones anteriores (excepto‘Baby I Love You’), además de‘California Sun’,‘Sheena es un rockero punk’,‘Cretino Hop’,‘Rockaway Beach’ “lobotomía adolescente”, “I Wanna Be Sedated”, “Ella es única”, “Ella es una sensación”, “queremos que el Airwaves” y muchos, muchos más.

9. Pink Floyd

Pink Floyd es la banda multi-platino más excéntrica y experimental de la era del rock álbum, creando excepcionales esculturas sonoras de cine “Meddle”, “Dark Side of the Moon”, “Wish You Were Here”, y la banda de Popular ápice y sentencia de muerte conceptual, “The Wall”.

A partir de mediados de los años 60 como una banda de hard rock de R & B, la banda (el nombre de Piedmont blues hombres Pink Anderson y Floyd Council) – Syd Barrett en la guitarra y voz, Roger Waters en el bajo y voz, Richard Wright en los teclados, y Nick Mason en la batería – muta rápidamente en una extraña combinación de psicodelia británica twee ( “See Emily Play”, “Arnold Layne”) y de formato largo espacio de rock instrumental ( “Astronomy Domine”, “Interstellar Overdrive”), inspirado en el esófago de Barrett el uso liberal de LSD: un jardín de Cambridge Inglés transportado a Marte.

El guitarrista David Gilmour se unió al grupo como un seguro contra la volatilidad de Barrett en el 68, pero cuando Barrett fue obligado a salir de su falta de fiabilidad “banda de acompañamiento” se convirtió en un cuarteto de escritura democrática compartir, de canto y de liderazgo deberes. Como Floyd dirigió más profundamente en exploraciones experimentales sinfónicos en el frío del espacio sonoro – tan lejos de rock ‘n’ roll orígenes en las hormonas adolescentes estadounidenses amplificada como sea posible – los más populares se volvían.

“Meddle”, publicado en 1971, fue disco de transición de la banda de los años 60 con influencias de Barrett a las aguas-Gilmour Floyd de la década de 1970, resaltados por una columna de espacio de la grandeza de rock ‘Ecos’, más de 23 minutos de meandros con confianza creativo, zalameros armonías vocales de Waters y Gilmour, burbling órgano de Wright, axemanship atmosférica de la incomparable Gilmour, pings de otro y la deriva ruidos ballena. Se puede escuchar las semillas fértiles del “lado oscuro de la Luna” aquí.

“Dark Side”, lanzado en el 73, se quedó en la lista de álbumes de un escandaloso 741 semanas, una obra maestra de artesanía estudio creativo y una exploración notablemente unificado de tiempo, la codicia y la existencia – el álbum es un rito de paso indispensable todavía. “Deseo usted estaba aquí” es un excepcional, reflexivo, ambiente, de formato largo vistazo a la desintegración de Barrett entremezcla con vistas acidificación de Roger Waters del mundo y, en particular, la industria de la música.

Que mala opinión de la vida encuentra su máxima expresión en “The Wall”, que utiliza su título para representar el aislamiento literal y metafórica. En las presentaciones teatrales elaboradas de la obra, un muro se construyó físicamente a lo largo de la actuación, el colapso de los cuales al final de cada espectáculo cuidadosamente presagiaba el destino del grupo. Aguas lanzó como solista en la década de los 80 y el grupo ha reunido periódicamente sin él, pero ni el grupo ni que alguna vez han sido el mismo desde entonces.

10. Bob Marley y los Wailers

El cantante, compositor y figura cultural más grande en la historia de Jamaica, Bob Marley trajeron el mensaje justo y “vibraciones positivas” de la música reggae en el mundo, y es la única figura destacada de la era del rock no desde Estados Unidos o el Reino Unido

Marley nació en la parroquia rural de Santa Ana en 1945 a un padre blanco de mediana edad y una madre negro-adolescente de edad, y se fue de casa para el duro barrio marginal de la ciudad del foso Kingston a los 14 años con el fin de buscar una vida en la música. Allí se convirtió en amigos, y formó un trío vocal, con Peter Tosh y Bunny Wailer. Se llamaron los Wailing Wailers, luego abreviado a los Wailers. Se trabajó dentro de los estilos musicales predominantes de la época, la primera boyante ska de ritmo rápido, entonces el más lento de rock sinuosa constante, que luego dio paso al reggae.

Los Wailers graban con los productores legendarios Coxone Dodd y Lee “Scratch” Perry en los años 60, la grabación de grandes canciones como ‘Simmer Down’, la versión original de ‘One Love’, ‘Soul Rebel’, ‘Small Axe’ y “Duppy Conqueror “, convirtiéndose en gran medida popular en Jamaica. Pero fue cuando los Wailers firmó con Island Records Chris Blackwell en 1972 que se convirtió en su alcance global.

Los Wailers primeros álbumes de la isla, ‘Catch a Fire’ y “Burnin’” (ambos 73), se convirtieron en clásicos instantáneos e introdujeron ‘Stir It Up’, ‘I Shot the Sheriff’, y Tosh ‘Get Up Stand Up’ al mundo. Tosh y Wailer continuación, ambos dejaron a seguir carreras en solitario y los Wailers se convirtió en vehículo de expresión de Marley. Hasta su trágica muerte por cáncer a la edad de 36 en 1981, Marley genera himno tras himno y trajo esperanza y orgullo para el Tercer Mundo, además de tocar los corazones y moviendo los pies a través de América del Norte y Europa.

Su colección de éxitos que abarca los años Island, “Legend”, con ventas de más de 10 millones de copias sólo en los EE.UU., es el más popular y perdurable álbum de reggae de todos los tiempos. Entre sus delicias son “No Woman No Cry”, “Three Little Birds”, “One Love”, “Buffalo Soldier”, “Waiting In Vain” y “Jamming”.

10. Sly and the Family Stone

Sly and the Family Stone hicieron algo de la música más dinámica y reflexiva de finales de los años 60 y principios de los ’70, la unión y la transformación de la música blanco y negro en un momento de alta esperanza y la traición más profunda America. Líder de Sly Stone personificada ambos extremos, como el más verdadero de los creyentes y una víctima de su propia desilusión.

Fue el segundo LP de la banda, “bailar con la música” (68) que realmente se incendiaron. El título de la canción era una representación perfecta del sonido familiar vivo, una amalgama vibrante de la positividad, el bajo fuzz, doo-wop, la guitarra de rock y los cuernos, se reunieron en el contexto de una revista tradicional de R & B.

El verano del ’69 encontró Sly and the Family Stone subiendo a las alturas de popularidad y reconocimiento de la crítica en las alas de su álbum fenomenal “Stand !,” que incluía primer hit N º 1 de la banda, “Everyday People”, una canción que definido ideales sociales de la banda en la forma en que “Dance” definió sus pensamientos musicales. El encanto de la poesía infantil de los recortes estribillo a través de siglos de prejuicios culturales y nos recuerda la simple verdad de que “llegamos a vivir juntos” o morir por separado. También en el álbum fue el orgásmica “Quiero tomarle más arriba.”

Ese mismo verano, Sly y Family Stone irrumpió en el escenario de Woodstock en el arco iris obtener planos, el parpadeo de lentejuelas y electricidad y se desprendió superestrellas. Si los asistentes no eran lo suficientemente alta, cuando Sly gritó “Quiero tomarle más arriba” al final del conjunto de la banda, muchos sienten la fiesta – y una era – alcanzaron su pico frenético.

Por desgracia, Sly tomó su obsesión por la “altura”, literalmente, y llegó a confundir a la alta fácil de fármacos con los máximos más difíciles de la música, el amor y la alegría de la existencia. Con el aumento de las drogas llegó la paranoia y el ensimismamiento, que se expresaron en la primera y mejor de 1971 “Hay un alboroto Goin’ On”, donde lasitud reemplazado esperma pero increíble talento de Sly todavía brilló a través de la oscuridad. El batería Errico dejó durante la producción y Sly dañado aún más la sensación de la familia jugando la mayor parte de los instrumentos en el mismo disco, aislado en un capullo de cocaína. Irónicamente, “Riot” fue sólo el álbum No. 1 “de banda”. El sueño y la realidad luego ambos se vino abajo, pero la música sigue siendo.

¿Cómo? ¿Por qué?

Mientras hablo con la voz de trueno de la verdad, esta lista de “las 10 mejores bandas de rock nunca ” no es una designación puramente arbitraria arrancado de mis regiones inferiores. En primer lugar, los ganadores tuvieron que ser una banda real, que eliminó la mayor parte de la primera piedra de onda ‘n’ grandes rollos de los años 50 como Elvis y Chuck Berry, que eran esencialmente solistas con bandas de copia de seguridad, otras figuras imponentes como Bob Dylan, y grupos vocales. Las bandas tenían que estar dentro del círculo mayor de la música “rock” y generar la mayor parte o la totalidad de su propio material. Tomé en cuenta musical y la influencia cultural, la popularidad con el tiempo (capacidad de resistencia), y el “Es una vida maravillosa” factor de: ¿Qué daños se llevaría a cabo si la banda iban a ser retirados de la historia del rock? – mayor es el daño, mayor será la banda. La eliminación de cualquiera de los anteriores 10 haría que la historia del rock irreconocible.